La Bienal de Venecia es uno de los eventos artísticos más destacados del mundo, un acontecimiento global que refleja y comenta el orden sociopolítico de cada época. La 61ª edición, bajo la dirección de la fallecida comisaria Koyo Kouoh, propone un cambio de enfoque. Su visión se aleja de la “cacofonía ansiosa del caos que asola el mundo” para centrarse en tonalidades más suaves de emoción, conectividad y arraigo, bajo el tema ‘In Minor Keys’.
Tras el fallecimiento de Kouoh en mayo de 2025, su concepto para la Bienal se está llevando a cabo por su equipo, proporcionando un marco para las obras expuestas en la exhibición central, que se lleva a cabo en dos lugares principales: los Giardini y el Arsenale, con la participación de 111 artistas, así como una guía temática para los pabellones nacionales.
El tema polifacético de Kouoh se manifiesta a través de una serie de motivos interconectados: Santuarios, Procesiones, Escuelas, Descanso y Actuaciones. En el centro de esta narrativa se encuentran valores como la quietud, el cuidado, la intimidad y la reflexión. La exhibición invita a los visitantes a moverse a través del espacio en un estado meditativo, reconectando con lo espiritual y lo sensorial, un llamado radical en el contexto actual, donde “el tiempo no es propiedad corporativa ni está a merced de una productividad acelerada”, como escribió Kouoh en su manifiesto.
Un concepto clave en la exhibición es la introducción de “un archipiélago de oasis”: espacios cargados de memoria y emoción que fueron centrales en los universos de importantes artistas. Ejemplos de esto incluyen el antiguo patio de Issa Samb en Dakar, el último estudio de Marcel Duchamp, y el Village Ki-Yi MBock de Werewere Liking en Abidján, Costa de Marfil. Otro espacio imaginativo es el jardín, concebido tanto de manera experiencial como metafórica, como un lugar de sustento y reconexión. Por ejemplo, la obra Still Life de Linda Goode Bryant tomará la forma de una granja urbana, que será cuidada por mujeres que han estado encarceladas durante la duración de la exhibición.
La Escuela, otro de los motivos de Kouoh, también se presenta como un jardín para el fomento y la nutrición del aprendizaje y la creatividad. Este concepto está representado por organizaciones lideradas por artistas, como la Raw Material Company en Dakar, la GAS Foundation en Lagos, y el Nairobi Contemporary Art Institution, que comparten un ethos de reunión, intercambio de conocimientos y creación de centros que proliferan sin la intervención de mercados comerciales.
Algunos pabellones nacionales se transformarán en espacios de contemplación y conexión. El Pabellón de la Santa Sede ofrecerá una experiencia sonora inspirada en los escritos de la abadesa del siglo XII Hildegard von Bingen, permitiendo a los visitantes escuchar una “oración sónica” mientras deambulan por el jardín del siglo XVII. En el caso de Catar, el artista Rirkrit Tiravanija ha diseñado una estructura similar a una tienda para servir como lugar de intercambio cultural, complementada por un filme de la artista qatarí-estadounidense Sophia Al-Maria, actuaciones en vivo organizadas por el artista libanés Tarek Atoui, y una escultura a gran escala de la artista kuwaití-puertorriqueña Alia Farid, junto con un programa culinario de cocina de Oriente Medio diseñado por el chef palestino Fadi Kattan.
El motivo de la Procesión de Kouoh celebra la conexión humana y la participación colectiva. Artistas como Big Chief Demond Melancon, Nick Cave, Alvaro Barrington, Daniel Lind-Ramos y Ebony G. Patterson exploran encuentros cuyo propósito abarca desde celebraciones circadianas y rituales en centros y periferias de la diáspora, hasta comuniones entre los vivos y los ancestros. El carnaval, por su parte, se presenta como “una costura en el tiempo donde las relaciones de poder se subvierten y se desdibujan”. Normas establecidas en la historia del arte y la literatura clásica son desafiadas por los trabajos de Johannes Phokela, Tammy Nguyen, Buhlebezwe Siwani, Sammy Baloji y Godfried Donkor.
La instalación de la exhibición central, diseñada por Wolff Architects, se inspira en dos obras literarias: Cien años de soledad de Gabriel García Márquez y Beloved de Toni Morrison, creando una experiencia más sensorial que didáctica que fomenta la intimidad y la interacción. El Pabellón de Japón también abraza la participación, a través de Grass Babies, Moon Babies de la artista queer japonés-estadounidense Ei Arakawa-Nash. Al ingresar, se invita a los visitantes a llevar uno de los 200 muñecos a través de los pilotis, jardines y espacios interiores del pabellón. Los asistentes participan en un acto de cuidado colectivo al cambiar los pañales de los muñecos y activar un código QR que les proporciona un “poema de pañal” basado en la fecha de nacimiento asignada a cada muñeco.
